La palabra barroco se tomó de la arquitectura del siglo XVIII, la cual deriva del portugués que significa “perla de forma irregular” o “Joya falsa” y ha sido ampliamente usada para describir el periodo de la música y del arte en Europa Occidental desde 1600 – 1750 ya que este periodo de tiempo se consideraba tosco, extraño, áspero y anticuado. El periodo de la música barroca se trata de una de las épocas musicales más largas, fecundas, revolucionarias e importantes de la música occidental, así como una de las más influyentes.
La Barroco fue una época de esplendor para muchos instrumentos, como por ejemplo, el clavecín, el órgano, la viola de gamba y el laúd, ya que vivieron su época dorada a nivel técnico, interpretativo y compositivo debido a que luego fueron totalmente relegados por sus descendientes, el violín, el cello y el piano, pero a pesar de que la instrumentación suele ser bastante predominante en la época su característica más notoria es la del uso del bajo continuo siendo interpretado por uno o más instrumentos melódicos graves y el desarrollo de la armonía tonal en la cual queda subordinada a los acordes y el ritmo de la armonía es muy rápido por lo que cambia muy frecuentemente de acordes que sobresalen por los fuertes contrastes sonoros entre las familias de instrumentos en la orquesta, lo cual la diferencia completamente de los anteriores géneros modales.

En el barroco, como en todas las épocas aparecieron nuevos géneros y formas de interpretación entre las cuales se pueden distinguir los géneros vocales como: la ópera, el oratorio y el motete; mientras que en los géneros instrumentales se distinguen: la sonata, la suite, il concerto grosso,

La ópera

Es el género de música teatral en el que una acción escénica se armoniza, se canta y tiene acompañamiento instrumental. Las representaciones se ofrecerse en teatros de ópera, acompañadas por la orquesta o agrupaciones musicales menores. Forma parte de la tradición de la música clásica europea u occidental.
Contar una historia por medio de una puesta en escena teatral, resulto fascinante para la época y por esa misma razón terminaron convirtiéndose en uno de los medios de entretenimiento mas populares, incluso por los nobles de la época. Entre las primeras obras realizadas esta la Dafne de Jacobo Peri.
Paralelamente a la ópera aparecieron géneros músico-teatrales más populares, en lengua vernácula, con personajes contemporáneos en su mayoría de clase baja, con tramas donde se buscaba hubiera humor y pasajes hablados en lugar de recitativos. Estos espectáculos se introducían bien a modo de intermedio entre los actos de la ópera seria, o bien como obras independientes.

El oratorio

Parecido a la ópera, aunque tiene más énfasis en los coros, se utilizaba mayormente para temáticas asociadas a la religión y no requerían de montar una escena, puede decirse que se ejecutaban como las actuales versiones de concierto. Podemos tomar de ejemplo a El mesías de Händel.
Una obra que tuvo lugar en la historia relataba la pasión de Jesucristo, tenia coros insertados y fue una obra de una larga duración. La pasión según San Mateo de Bach es un magnífico ejemplo.

La cantata

Conocida como una pieza musical escrita para uno o más solistas que cuentan con acompañamiento musical, con varios movimientos y en algunos casos también cuenta con un coro. El tipo más antiguo de cantata, conocido como cantata da camera, fue compuesto para voz solista sobre un texto profano. Con frecuencia tienen un carácter vanguardista por estar dirigidas a una audiencia selecta y culta.
Alessandro Scarlatti fue el más prolífico autor del género, aunque las cantatas más conocidas son la Cantata del caféde Bach o las compuestas por Händel, en italiano, durante su estancia en Roma.

El motete

Descrito como una forma de música marginal del barroco, se reserva esta denominación para algunas composiciones corales religiosas que fueron escritas con varias voces iguales, casi siempre es estilo utilizado era obsoleto, mantuvo una participación no muy activa en el siglo XVII en los países de Alemania e Italia, también se uso el termino para referirse a algunas cantatas con un estilo concertante.

La música instrumental

Logra la total autonomía que había empezado en el Renacimiento. En este desarrollo, desempeñarán un papel decisivo la evolución técnica de los instrumentos y el nacimiento de la orquesta como grupo organizado. Los intérpretes se especializan debido a la complejidad que irá adquiriendo este tipo de música, surgiendo la figura del virtuoso.
La música instrumental, que en la época anterior dio el primer asomo en la música académica, tuvo un auge sin precedentes en los siglos XVII y XVIII; por primera vez en la historia, la música vocal e instrumental estaban en plena igualdad.

La sonata

Es el nombre que le fue dado a distintas formas musicales que fueron usadas en el período barroco, el término sonata se utilizó con relativa libertad para describir obras reducidas de carácter instrumental, por oposición a la cantata, que incluía voces. Al igual que la palabra cantata designa una composición para canto solista y bajo continuo, la palabra sonata designa en el Barroco una composición para ser "sonada", esto es, para uno o dos instrumentos (sonata a solo o sonata en trío, respectivamente) más el habitual bajo continuo.

La sonatas destinadas a la iglesia (sonate da chiesa) solían consistir en movimientos de forma libre, que incluían algún fugado entre los rápidos. Las destinadas a las salas civiles ((sonate da camera) incluían movimientos de danza bipartitos, al modo de la suite.

El concerto grosso

forma instrumental barroca de origen italiano basada en la contraposición entre un pequeño grupo de solistas con una pequeña orquesta, a finales del siglo XVII se consolido este mismo concepto, gracias a esto nace la posibilidad de alternar la sinfonía orquestal completa con otros para los solistas que formaban parte del conjunto, las obras que fueron escritas de esta forma tomaban el nombre de concerti grossi. Estos aparecieron en la escuela de Bolonia, y fueron difundidos por toda Europa debido a las publicaciones de Arcangelo Corelli, ya que fueron consistentes en sonatas de trio donde cada pasaje era repetido por el tutti (todos) luego de que lo tocara el concertino.

La suite

La Suite barroca está compuesta de danzas barrocas comenzando a menudo con un preludio. Las danzas comparten la misma tonalidad, pero se ordenan para crear contraste entre tempo y métrica. La suite se conoce también como partita o sonata.

Allemande: Se cree que es de origen alemán por su nombre que significa alemana en francés. Se conoce también como almain o allemanda. Originalmente en compás de 2 tiempos y tempo moderado, pasa a tener 4 tiempos y un tempo algo más movido. Tradicionalmente es la primera danza en la suite a menudo precedida de un preludio.

Courante: Siguiendo a la allemande encontramos a menudo la courante - término de origen francés - a veces llamada corrente en italiano. En ambos casos la palabra viene de correr por lo que es una danza de tempo movido. Generalmente se escribe en 3/2 o 6/4, en este caso está escrita en 3/4.

Zarabanda: es muy común luego de la courante. La métrica es ternaria. La zarabanda se origina o en la América hispana, en España o según algunos llega a España por los moros. Es de carácter lento y expresivo.

Giga: danza rápida en diversos compases de subdivisión ternaria, de origen irlandés. A las que se podía añadir una obertura inicial más otras danzas tras la giga, elegidas libremente como, por ejemplo:

Minueto: Danza de origen francés en compás ternario parecido al del vals. La suite suele contener dos minués emparejados.

Rondó: pequeña pieza basada en la repetición de un tema (A), con intrusiones (B, C, D, etc.) Con melodías rítmicas, dedicado a la aristocracia, la suite acabo infiltrándose en toda la música instrumental francesa, aunque también logro llegar a la música instrumental alemana e italiana, no solo para grupos y conjuntos orquestales sino también para instrumentos solistas.

El barroco tiende a dividirse en 3 etapas:

El Barroco Temprano (1580 – 1630)

Esta etapa es caracterizada por la manifestación de la policoralidad típica de la música religiosa de la escuela veneciana, donde se alternan diversos grupos vocales o instrumentales situados en diversos sitios, asi como lo son los instrumentos contra voces (ejemplo: los concerti ecclesiastrici) o solistas contra el conjunto en general. (Giovanni Gabrieli). Otra de las grandes manifestaciones en esta etapa fue la de la monodia acompañada, en la que una voz aguda concentra todo el interés musical, mientras que su acompañamiento instrumental consistía en algo parecido al bajo continuo, lo cual comenzó con La Camerata Florentina cuyo objetivo fue ponerle letra a la música entre otros, por lo que termino en lo que hoy en día conocemos como Ópera (Claudio Monteverdi), mientras que en paralelo se desarrolló el oratorio religioso (Felipe Neri).

El Barroco Medio (1630 – 1680)

En esta etapa sucedieron cosas interesantes en diferentes ubicaciones de Europa Occidental. En Italia autores como Cesti, Francesco Cavalli y Luigi Rossi estaban suavizando la dureza del estilo monódico original, desarrollando de esta manera la ópera belcantista, en la que se separaba claramente los recitativos y las arias, pasando de ser un espectáculo aristocrático a un entretenimiento para la clase media – alta gracias a la venta libre de entradas en los teatros, mientras que compositores como Legrenzi, Cazzati y Vitali asientan las bases de la tonalidad y las formas del Barroco Tardío añadiéndole un carácter virtuoso y contrapuntístico a la vieja canzona convirtiéndola en lo que conocemos hoy en día como sonata. Por otro lado en Francia se fueron desarrollando nuevos instrumentos de madera, como el fagot, el oboe, las flautas, entre otros… mientras se fijaba la suite instrumental francesa.

El Barroco tardío (1680 – 1730)

Una vez más Italia fue quien aportó los importantes rasgos notables a esta etapa gracias a la gran influencia de Corelli en toda Europa, cuyos más importantes o notorios son: la adopción plena de fórmulas tonales como las cadencias frecuentes y claras como marco formal, así como las progresiones con movimientos de 5tas, cadenas de retardos, acordes paralelos de sexta, entre otros y no menos importante el uso de los ritornelos, contrastes entre tutti y solo, bajo con gran empuje rítmico y pasajes en unísono entre otra variedad de cosas que con el tiempo dieron paso al clasicismo. Esta etapa es la que en la actualidad conocemos como “la música barroca” ya que los compositores más famosos de este periodo pertenecen a la generación en torno a 1685 como Antonio Vivaldi proveniente de Italia, Georg Friedrich Händel, Johann Sebastian Bach y Georg Philipp Telemann de Alemania, Jean Philippe Rameau de Francia y Domenico Scarlatti.

La transición al Clasicismo (1730-1750)

Varias de las tendencias estéticas en la transición al clasicismo podemos mencionarlas como grandes creaciones en la historia musical. Es posible que uno de los grandes compositores del estilo galante francés fuera Johann Stamitz. Para este estilo, se usaba el termino de “música galante” lo cual hacia referencia al estilo de carácter doméstico y burgués. El estilo galante se opone tanto a la complejidad contrapuntística de la música sacra como al virtuosismo de los estilos tardíos aún vinculados con la práctica del bajo continuo. En Italia se desarrolló la ópera buffa (Opera relacionada a un tema cómico), la sonata (es una obra que consta de tres o cuatro tipos de tonos, compuesta para uno, dos o tres instrumentos musicales), la sinfonía (composición musical realizada para una orquesta)
El segundo de los hijos de Jhoann Sebastian Bach, es considerado el padre de la sonata clásica. Por no mencionar que es uno de los compositores más importantes del periodo galante.

Algunas de las paginas que se usaron para realizar este trabajo de investigación fueron:

• https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_del_Barroco
  -http://musica-barroca.com/
  -http://aprendemusica.es/Musicas/3_ESO/UD3_Barroco.Latinoamerica/BARROCO_exeL/Barroco/msica_barroca1.html